Will Cotton : "Un univers mythologique qui questionne la notion de désir"

Dix ans après sa dernière exposition à la Galerie Templon, le peintre new-yorkais Will Cotton, célèbre pour ses représentations sensuelles et fantaisistes de femmes immergées dans des paysages de confiseries, dévoile une exposition provocante et décalée à la Galerie Templon de Bruxelles, intitulée “The Taming of the Cowboy“.

En référence à la schizophrénie politique de son pays en pleine campagne électorale, Will Cotton propose une nouvelle interprétation du mythe du cow-boy, symbolisant la conquête de l’Occident. Ses grandes peintures à l’huile ostensiblement classiques représentent une rencontre surprenante entre des cow-boys triomphants et leurs fantastiques coursiers : les licornes.

Ses peintures sont inspirées d’une variété de sujets, dont le jeu de société pour enfants Candy Land, les affiches pin-up de George Petty et les peintures de paysages de l’église de Frédéric Edwin, les nus académiques de William Adolphe Bouguereau.

La dimension mythologique et fantaisiste occupent une place essentielle dans votre parcours artistique. D’où vous vient cet intérêt pour ces univers ?

J’aime le domaine de la fantaisie et de la mythologie parce qu’il ouvre un spectre symbolique plus large avec lequel je peux travailler. Quand j’évoque la recherche du plaisir et de l’insatiabilité, j’ai découvert que l’universel communique mieux cette idée que le spécifique.
Par exemple, si je parle de ma toxicomanie personnelle, ce n’est pas quelque chose que tout le monde pourra comprendre. Cependant, si je peins des images de Candy Land comme métaphore de l’insatiabilité et de la toxicomanie, c’est un moyen beaucoup plus universel de communiquer l’idée. Cela devient plus accessible, touche plus de gens et a finalement plus de sens.

Construit comme un rêve, vos tableaux questionnent-ils la notion de désir?

Oui, je questionne la notion de désir. L’explorer sous différents angles. Mes tableaux sont destinés à faire une proposition, un “et si ?”, scénario que le spectateur doit envisager.

Diriez-vous que vos peintures très réalistes, ressemblant presque à des photographies, repoussent les frontières entre différentes disciplines artistiques?

Nous en sommes venus à assimiler le réel au photographique. J’utilise ce point de référence pour rendre les peintures aussi crédibles que possible, puis je vais au-delà de la simple photographie.

Quel artiste a eu le plus grand impact sur la façon dont vous abordez votre travail aujourd’hui?

Tiepolo a construit de grandes scènes compliquées impliquant des personnes et des chevaux dans ce que vous appelleriez des situations impossibles. Voler dans les airs, assis sur des nuages. Mais il les a peints de telle manière que vous ne remettez pas en question leur réalité. Vous ne les regardez pas et vous pensez “c’est photoshopé”. Le médium de la peinture permet une suspension de l’incrédulité que les photos ne font pas.

Pourriez-vous parler davantage du dialogue entre l’univers onirique dans votre travail et la critique politique de la société actuelle – ici sur la discrimination de genre ? Comment est-ce approprié dans le contexte actuel des élections pré-présidentielles américaines?

La beauté du symbolisme dans la peinture est qu’aucune interprétation unique n’est correcte, et donc le “sens” de l’œuvre est en constante évolution. Pendant ce temps aux États-Unis, je regarde mes propres peintures un peu différemment. La licorne devient défier les normes établies de l’homme américain, pour répondre à cette agressivité de cow-boy avec un pouvoir écrasant de freiner et de maîtriser le spectacle d’horreur effréné de l’Amérique 2020.

Propos recueillis par Isabelle Capalbo